Дикие краски Анри Матисса: от зелёных лиц и красных комнат до ножниц и тысячи рисунков

Матисса нередко ставят в один ряд с революционными художниками — Пабло Пикассо и Марселем Дюшаном. Если авангард нередко стремился шокировать зрителя, то Анри Матисс искал в своём искусстве гармонию и безмятежность. В статье расскажем о том, как в работах художника в ярко-красных и синих тонах искать покой, а ещё подробности о том:

• что повлияло на художественный вкус Матисса;
• чем отличались фовисты от представителей других направлений искусства;
• какую картину Матисс перекрашивал из одного цвета в другой, а на какую работу художника вдохновил балет;
• как Матисс создал свою технику «рисования ножницами».

Как на северного художника повлияли краски Южной Франции

Анри Матисс — французский художник XX века, который развивал направление «фовизм». Матисс известен не только как живописец и автор картины «Танец», помимо этого, он был успешен как художник-график, гравёр и скульптор.

Анри Матисс родился в 1869 году, его детство прошло в небольшом северном городке Боэн-ан-Вермандуа во Франции. Анри ждала карьера юриста, как и его современника Василия Кандинского, но в итоге увлекла живопись. Матисс учился в парижской Академии искусств, и его первые работы были в целом близки традициям, он писал классические натюрморты.

На последующее творчество повлияли мастера классических школ и современные художники, такие как Эдуард Мане. Художественные перемены случились после 30 лет. На это повлияла в том числе поездка на юг Франции. Здесь Матисс начал интересоваться импрессионистской живописью, а после знакомства с работами Поля Синьяка — пуантилизмом.

Матисс черпал вдохновение из африканской, полинезийской и японской культур. Важные для него локации, Марокко и остров Таити, сформировали особое отношение к декоративности цвета и яркости красок. Всю жизнь Матисс коллекционировал предметы народного искусства.

При этом, по словам биографа Хилари Сперлинг, даже спустя сорок лет жизни в тёплой Ницце на юге страны Матисс продолжал называть себя северным человеком. Отсюда его постоянное стремление в работах к чистому свету и жизни. Он говорил:

«Я мечтаю о спокойном искусстве, которое сочетает в себе баланс, чистоту и безмятежность, которое лишено тревожных или депрессивных тем… Об искусстве, успокаивающем душу подобно удобному креслу, в котором отдыхает тело».

«Донателло среди диких зверей»: как появился фовизм и чем шокировали картины Матисса

В 1905 году в Париже прошла выставка, где публика увидела работы новых художников, среди которых был Анри Матисс. Критик Луи Воксель в одной из рецензий заметил, что единственная классическая скульптура на этой выставке смотрится как «Донателло среди диких зверей». Фраза про дикарей прижилась, и с этого момента художников, как Матисс, стали называть «дикими». Fauves — на французском и фовистами — на русском.

До начала XX века в европейской живописи цвет в основном выполнял описательную функцию: небо на картинах должно быть голубым, трава — зелёной, а человеческая кожа — естественной. Фовисты, и прежде всего Анри Матисс, отказались от этого принципа, поэтому цвет стал средством художественной выразительности сам по себе. Красное дерево или зелёное лицо перестали восприниматься как ошибка — такой выбор помогал передать настроение.

Фовизм отличается от других авангардных направлений характерными признаками:

• Экспрессивные цвета, яркие контрасты. Художники не смешивали краски для переходных оттенков и чётко выделяли контуры объектов. Так цвет переставал зависеть от законов природы и начинал жить внутри композиции конкретной картины.
• Декоративность композиции. Изображение воспринималось как самостоятельная плоскость, где цветовые пятна, линии и узоры существуют в едином ритме.
• Упрощение форм. Вместо тщательной детализации объектов, как это делали художники академических направлений, фовисты создавали силуэты и общие очертания.
• Эмоциональность. Художника интересовало не то, как выглядит предмет, а то, какие чувства он вызывает у зрителя.

Фовизм унаследовал от постимпрессионистов акцент на субъективности впечатлений от предмета и смелую работу с цветом, которую довёл до ещё большей свободы.

Визуальный язык на картинах Матисса

Если фовизм в начале творчества научил Матисса свободно обращаться с цветом, то потом он стал работать иначе — упрощать композиции и формы, экспериментировать с плоским пространством. В работах художника всегда есть ощущение воздуха, даже если композиция насыщенная.

«Женщина в шляпе»

Портрет супруги художника Амели Матисс выставили на Осеннем салоне 1905 года, и работа вызвала бурную реакцию критиков. Портрет был написан зелёными, розовыми, синими и оранжевыми красками. При этом цвет работал вместо светотени — зелёные оттенки создавали эффект тени и фактически выделяли черты лица на портрете. Цветовые пятна при этом оставались самостоятельными элементами композиции.

Как говорил сам Матисс на этот счёт: «Я создаю не женщину, а картину». Работа впечатлила коллекционеров Гертруду и Лео Стайн, которые выкупили её, как и многие другие работы Матисса позже.

«Радость жизни»

Сюжет отсылает к классическим пасторальным сценам Ренессанса, но Матисс деконструирует эту традицию — создаёт не конкретное место, а образ мира, где каждый оттенок формирует эмоцию.

Матисс распределяет фигуры по всему полотну так, чтобы взгляд зрителя постоянно двигался между отдельными сценами. Люди, деревья и холмы подчиняются одним и тем же плавным линиям, это создаёт ощущение непрерывности движения. Передний план плавно переходит в средний, масштаб фигур меняется не всегда по законам оптики. Практически на горизонте заметен тот самый прообраз будущей работы Матисса — «Танец».

«Красная комната»

«Красная комната» (или «Красная гармония») создавалась по заказу русского коллекционера Сергея Щукина, причём в процессе работы художник полностью менял замысел: первоначально цвета были голубыми, но в финальной версии почти всё пространство заполнил красный — уже классический для фовизма.

Матисс выстраивает изображение благодаря цветовым плоскостям — здесь особенно заметна любовь Матисса к декоративности. Узор связывает между собой предметы интерьера и создаёт единый визуальный ритм. Интересно и то, что художник использует контраст очень экономно. Элементы мебели работают как небольшие акценты внутри локального красного поля.

«Танец»

В 1909 году русский коллекционер Сергей Щукин заказал у Матисса две картины: «Танец» и «Музыка». Художника вдохновили выступления популярного тогда балета «Русские сезоны» Дягилева, особенно естественный образ Айседоры Дункан и её пластичные движения.

Современник Матисса, французский политик и писатель Марсель Сембат, описывал картину как «неистовый хоровод на вращающемся фоне» и восхищался её композицией — плавной линией, которая объединяет все фигуры в единое движение, где одно продолжает предыдущее. Пространство здесь почти лишено перспективы и строится через взаимодействие цвета и линий.

«Золотые рыбки»

Серию картин с золотыми рыбками Матисс написал после путешествия в Марокко, где художника удивило, как жители могли часами неподвижно смотреть на аквариум. В итоге образ рыбок стал символизировать безмятежность и стремление к созерцанию.

На картине «Золотые рыбки» стол и окружающие предметы изображены так, будто их положение меняется в зависимости от того, куда направлен взгляд. То есть взгляд зрителя падает на аквариум и сверху, и сбоку, при этом перемещаясь с одной плоскости на другую.

Читайте также:

Перспектива в рисунке: что нужно знать и как освоить

Здесь хорошо заметен ещё один важный принцип Матисса — визуальная тишина. Цвета сочные и декоративных элементов много, но картина не кажется перенасыщенной. Каждый объект на своём месте, а свободные пространства вокруг стола уравновешивают яркость палитры.

Уникальный стиль Матисса позднего периода: от минималистичных рисунков до декупажа

В 1943–1947 года Матисс создавал серию картин «Джаз» с работами в новой технике.

Как художник рисовал ножницами: почему его аппликации сих пор смотрятся современными

Последний и один из самых новаторских периодов творчества Анри Матисса связан с техникой gouaches découpés — бумажных наклеенных вырезок, которые сам художник называл «рисованием ножницами». Сейчас бы его работы назвали декупажем.

Работа над изображением выглядела так: Матисс покрывал яркой гуашью листы бумаги, потом вырезал из них формы разных размеров и очертаний и составлял из них композиции. Матисс говорил, что не просто вырезает фигуры, а «вырезает прямо в цвете» — то есть цвет и форма, по его теории, рождаются одновременно, а не существуют отдельно друг от друга.

Бумажные аппликации заняли центральное место в его творчестве в последние пятнадцать лет жизни. После тяжёлой операции в начале 1940-х годов художнику стало сложно работать за мольбертом, и новая техника позволила ему сохранить творческую свободу.

Сейчас работы Матисса в технике gouaches découpés считаются одними из самых важных произведений позднего модернизма. На арт-рынке они оцениваются высоко, особенно работы 1950-х годов — за ними охотятся на аукционах Sotheby’s и Christie’s.

Интерес к этому периоду творчества Матисса не ослабевает и в музейном мире. В 2014 году его бумажным аппликациям была посвящена масштабная выставка Henri Matisse: The Cut-Outs, которая прошла в лондонской галерее Tate Modern и позже в нью-йоркском MoMA.

От портрета к линиям силуэта — как упрощались формы

За свою жизнь Анри Матисс создал несколько тысяч рисунков, их можно отличить по характерным линиям — минималистичным и при этом свободным. Несколькими точными линиями художник передавал не только форму предмета, но и его характер, настроение и даже движения.

Сам Матисс считал рисунок «самым чистым и непосредственным воплощением» его творчества. Искусствоведы отмечают, что именно в графике и линиях заметно его мастерство. А американский художественный критик Джон Расселл называл Матисса «одним из самых завораживающих рисовальщиков в истории искусства».

А самому художнику хотелось, чтобы зрителю были незаметны потраченные на работу усилия и, по его словам, оставались «лишь лёгкость и жизнерадостность, как у весны».

Как Матисс повлиял на графический дизайн и современную иллюстрацию

В работах Анри Матисса цветовые поверхности становятся самостоятельными элементами композиции, а предметы часто изображаются через локальный чистый цвет. Сегодня этот принцип используют во флэт-дизайне и иллюстрации, интерфейсах и цифровой графике.

В современном дизайне любое изображение можно упростить до силуэта — и оно будет передавать идею, примеры тому — логотипы и иконки в интерфейсах.

У Матисса орнаменты тканей, растительные мотивы и повторяющиеся узоры формируют целые композиции. Этот принцип сегодня активно используют в текстильном дизайне, упаковке, дизайне интерьеров и брендинге. А в современных постерах и рекламной графике часто используют формы ярких цветов, чтобы быстро выстроить визуальную иерархию и привлечь внимание зрителя.

Анри Матисс превратил цвет в самостоятельный инструмент эмоций и композиции. Художник в своём творчестве исследовал возможности линии, силуэта и создавал динамичные простые композиции.

FAQ

Почему фовистов называли «дикими»?

Слово fauves переводится как «дикие звери». Название появилось после выставки Осеннего салона 1905 года в Париже. Один из критиков назвал так работы единомышленников Матисса, потому что работы были непривычно яркими и контрастными по цветам, практически без переходных оттенков, фигуры людей и предметов выглядели упрощённо.

Почему Матисс так важен для дизайна?

Матисс показал, что для выразительной композиции достаточно базовых элементов: локального цвета, силуэта, ритма и пространства. Его художественные принципы повлияли на плакатное искусство, книжную графику, современную иллюстрацию, брендинг и эстетику минимализма.

Почему картины Матисса выглядят такими простыми?

Матисс сознательно сокращал количество деталей и оставлял только те элементы, которые работают на композицию. Цвет, линия и форма в его произведениях выполняют сразу несколько функций: создают пространство, задают ритм и направляют взгляд зрителя.

Что такое вырезки Матисса?

Это другое название поздней техники художника — «рисование ножницами», которую он развивал с 1940-х годов. Матисс раскрашивал листы бумаги гуашью, вырезал из них фигуры и создавал композиции. Эти работы стали логичным продолжением его экспериментов с цветом и формой, а сам подход повлиял на современную графику и иллюстрацию.