12 фильмов, которые должен посмотреть каждый фотограф

Кино — это фотография в движении. И пусть статичная съёмка появилась задолго до «движущихся картинок», фотографам есть чему поучиться у кинематографа. Режиссёры отстаивали самобытность кино почти сто лет: упорно трудились над композицией кадров, экспериментировали с методами съёмок, создавали визуально совершенные произведения. Фотографы не отставали от коллег — великие мастера статичных кадров вдохновляли кинорежиссёров на новые свершения на всём протяжении эволюции кинематографа. Но вдохновение — обоюдный процесс.

Кинокритик Егор Шеремет собрал подборку фильмов, которые могут научить:

• работать с колоритом;
• доверять собственному стилю;
• искать красоту в обыденном;
• бросать себе вызов;
• не бояться сложностей.

Телеграм-канал для тех,
кто любит фотографию

…и хочет узнать, какой разной она может быть. Подписывайтесь, мы публикуем хороших российских авторов, следим за мировыми конкурсами и выведываем творческие лайфхаки у практиков.

Подписаться

Всё о моей матери

Яркий колорит и мелодраматичный сюжет — два столпа, на которых строится фильмография испанца Педро Альмодовара. Режиссёр снял больше двадцати полнометражных картин, каждая из которых шокирует буйством красок и тончайшей работой художников-декораторов.

«Всё о моей матери» — самый грустный, но парадоксально красивый фильм Альмодовара. История матери-одиночки, потерявшей единственного сына, подаётся как классическая мелодрама. Но перепутать стиль режиссёра с фильмами его коллег по сентиментальному кинематографу не получится — картина с Сесилией Рот сделана настолько изящно, что за уютными пейзажами Барселоны и вездесущим красным цветом виден только сам Альмодовар.

Чему учит фильм: работе с цветом. Альмодовар активно использует красный, внедряя яркий цвет практически в каждый кадр. Акцентный цвет собирает весь фильм в единое целое. Понимание и разумное использование определённого колорита поможет и в фотографии.

Читайте также:

Женщины на грани боли и славы: о чём снимает Педро Альмодовар

Цвет граната

Сюрреалистическая притча «Цвет граната» — самый смелый советский фильм. Сергей Параджанов отказался от норм драматургии и законов кинематографа, превратив жизнь армянского поэта Саят-Новы в манифест визуальной поэзии.

Десятки виньеток, знакомящих зрителя с внутренними переживаниями мастера любовной лирики, напоминают ожившие картины. Пытаться разобраться в сюжете этого фильма — занятие бессмысленное и даже опасное. Намеренная запутанность нарратива помогает зрителю абстрагироваться от сюжета и полностью погрузиться в настроение ленты. Нестандартный фильм до сих пор вызывает бурные споры — одни называют его шедевром, а другие критикуют Параджанова за невнятную историю.

Чему учит фильм: оригинальному мышлению. Параджанов доверился своему воображению и создал один из самых необычных фильмов в истории. А ещё это невероятно красивое кино.

Читайте также:

5 проектов Сергея Параджанова

Неоновый демон

Датчанина Николаса Виндинга Рёфна неслучайно называют визионером. Жестокие фильмы режиссёра отталкивают сценами кровавого насилия, но совершенная работа художников-декораторов и костюмеров заставляет зрителей пересматривать работы Рёфна раз за разом.

«Неоновый демон» — не исключение. Пугающая история о злоключениях начинающей модели снята с таким вкусом, что даже тонны крови и гиперреалистичное насилие не могут испортить впечатление от ленты. Визуальные решения Рёфна исключительно оригинальны — страшная сила красоты раскрывается с помощью «кислотной» цветокоррекции и резких движений камеры. Рёфн заливает кадры неоновым светом, превращая героиню Эль Фаннинг в настоящего ангела. Пусть и с кровью на лице.

Чему учит фильм: вниманию к визуалу. Рёфн снимает фильм о моделях и фотографах, и «картинка» это отражает — некоторые кадры из «Неонового демона» можно перепутать с глянцевыми фотосессиями.

Бедные-несчастные

Греческий режиссёр Йоргос Лантимос всегда уделял большое внимание визуальной составляющей своих фильмов, но именно в «Бедных-несчастных» его поиски прекрасного наконец увенчались успехом. Если в предыдущих картинах нарратив заметно перевешивал визуал, то в фильме с Эммой Стоун труды режиссёра, оператора, костюмеров и художников-декораторов затмили воображение сценариста.

Провокационная история о ребёнке, заключённом в теле красивой девушки, выглядит как набор викторианских диорам. Кукольные пейзажи городов, намеренно вычурные костюмы и обилие широкоугольных кадров придают картине Лантимоса характер вневременного шедевра.

Чему учит фильм: стилизации. Лантимос подгоняет весь визуал «Бедных-несчастных» под один референс — фэнтези в викторианском сеттинге. Все элементы картины работают сообща. Стилизацию ругают за антиреализм, но ради качества проекта иногда стоит «перегнуть палку».

Читайте также:

«Бедные-несчастные»: что нужно знать о фильме

Водная жизнь

Симметричные, почти кукольные композиции кадров Уэса Андерсона давно ушли в народ: его эстетике подражают не только другие режиссёры, но и фотографы.

Подлинное вдохновение можно найти и в ранних работах мастера. Например, в морской фантазии «Водная жизнь» о жизни океанографа, который поклялся отомстить кровожадной акуле. В 2004 году Андерсон ещё не успел сформировать свой узнаваемый стиль, так что в «Водной жизни» есть и неидеальные кадры. Но это и хорошо — поклонникам Андерсона будет приятно изучить эволюцию метода одного из самых модных режиссёров современности.

Чему учит фильм: верности собственному стилю. Делать как все — заманчивое желание. Но не всегда полезное. Нормально придерживаться оригинального метода, который радует вас больше всего. Двадцать лет назад над гиперстилизованными кадрами Андерсона тоже смеялись.

Читайте также:

Мир Уэса Андерсона: что скрывает симметрия и карамельная пастель

Сказки туманной луны после дождя

Меланхоличные чёрно-белые ленты японского романтика Кэндзи Мидзогути повлияли не только на соотечественников, но и на весь послевоенный кинематограф.

«Сказки туманной луны после дождя» — фильм-сказка, рассказывающий о бедном горшечнике, одержимом жаждой наживы. Эстетичные пейзажные кадры, обилие крупных планов, плавное движение камеры — лента Мидзогути опередила своё время, превратив японского режиссёра в общепризнанного гения «красивого» кино. Фильм идёт чуть больше полутора часов, но замедленное повествование придаёт истории вневременной характер — некоторые кадры длятся настолько долго, что процесс просмотра фильма начинает напоминать чтение книги. В шедевре Мидзогути хочется потеряться, навеки оставшись в туманном японском лесу.

Чему учит фильм: тонкому искусству композиции. Подобно другим режиссёрам, Мидзогути делит кадры на три плана — задний, средний, передний, — но делает это с неожиданной лёгкостью. Композиции его кадров напоминают небольшие диорамы. При работе с фотокамерой тоже можно не сосредотачиваться лишь на одной плоскости — снимок получится куда фактурнее, если все три плана будут работать как единое целое.

Сицилия!

Даниель Юйе и Жан-Мари Штрауб — мастера экранизаций. Они снимали фильмы по книгам Франца Кафки, Чезаре Павезе, Бертольта Брехта. Причём французские режиссёры не стараются переиначить литературный первоисточник.

Сценарии их фильмов состоят исключительно из строчек самих писателей, а режиссёры занимаются лишь визуализацией. Миниатюрный фильм «Сицилия!» основан на романе итальянского писателя Элио Витторини: это очень неспешное кино, рассказывающее о возвращении героя в родной сицилийский городок. Опустевшие улицы, потрескавшиеся фасады, деревенские лица — камера Юйе и Штрауба выхватывает незначительные моменты жизни, превращая их в кино. Композиция каждого кадра выверена до миллиметра — в фильмах дуэта нет места случайностям.

Чему учит фильм: поиску красоты в обыденном. Юйе и Штрауб создали чарующее кино из самых простых элементов — пейзажей небольшого городка и перформансов непрофессиональных актёров.

Счастье

Александр Медведкин — невоспетый герой советского авангарда. Пока Сергей Эйзенштейн менял законы кинематографа, Медведкин заигрывал с сюрреализмом. Немой фильм «Счастье» — манифест странного кино. История нищего крестьянина Хмыря, случайно нашедшего кошель с деньгами, подаётся как фольклорная сказка — герой попадает в бесконечные передряги и теряет всё нажитое золото. А в некоторых сценах и вовсе появляется фантазийная пятнистая лошадь. Несмотря на тяжёлый политический климат, Медведкин не побоялся черпать вдохновение из досоветской России — лубочная эстетика «Сказки» выгодно выделила фильм среди более пропагандистских картин.

Чему учит фильм: не стесняться показаться странным. Медведкин не был понят современниками, зато с приходом оттепели о «Счастье» говорили во всём мире. А гениальный француз Крис Маркер даже снял о режиссёре фильм «Гробница Александра».

RR

Американский режиссёр Джеймс Беннинг снимает пейзажи. И делает это без лишней суеты — его фильмы создаются из статичных кадров, превращающих пейзажи в «живые картины».

Фильм RR состоит из 43 кадров движущихся поездов. В ленте нет актёров, сценария и декораций. Беннинг вынуждает зрителя пристально вглядываться в невзрачные ландшафты, ожидая неумолимого появления поезда. Скучно? Возможно. Но процесс длительного наблюдения превращает природу в главного героя фильма — от неожиданной красоты некоторых кадров Беннинга перехватывает дыхание.

Чему учит фильм: терпению. Беннинг часами подбирает нужную точку для съёмки одного кадра.

Прибежище дракона

Тайваньский режиссёр Цай Минлян — один из главных популяризаторов «медленного кино». Кадры в его фильмах сменяются настолько неспешно, что зритель впадает в подобие транса.

Картина «Прибежище дракона» — самая смелая в фильмографии режиссёра. Действие фильма происходит в стенах старого кинотеатра, двери которого скоро закроются насовсем. Завсегдатаи прощаются с любимым местом — смотрят кино, бродят по залу, делятся историями из прошлого. В фильме много героев, но именно закрывающийся кинотеатр становится протагонистом. Клаустрофобная локация не подрезает крылья талантливого режиссёра — тёмные помещения превращаются в пространство грёз и меланхоличных воспоминаний. Персонажи картины бесцельно гуляют по опустевшим коридорам, а зрители наслаждаются неортодоксальной манерой съёмки и нетипично тёмным визуалом.

Чему учит фильм: не бояться сложностей. Да, снимать кино или фотографировать в непроглядной тьме — не самая простая задача. Но Минлян справился с вызовом, превратив обычный старый кинотеатр в невероятно лирический объект. Справитесь и вы.

Контракт рисовальщика

Британец Питер Гринуэй начал карьеру режиссёра со смелых экспериментов — он снимал псевдодокументальные фильмы, миксуя игровые съёмки со статичными фотографиями и рукописными текстами.

Сложный метод Гринуэя быстро нашёл своих поклонников, но сторонников стиля режиссёра ждал «неприятный» сюрприз. В 1982-м году Гринуэй выпустил «Контракт рисовальщика», костюмированную драму о жизни художника — мистера Невилла. Экспериментализм режиссёра отошёл на второй план — он снял пусть и странное, но классическое по структуре кино. Гринуэй пошёл по пути упрощения, что сыграло ему на руку: филигранные композиции кадров, запутанный сценарий и роскошные исторические костюмы определили метод режиссёра на годы вперёд.

Чему учит фильм: смелости. Гринуэй полностью изменил свой авторский стиль, отказавшись от вполне рабочего метода. И стал одним из самых известных европейских режиссёров.

Погадай на ромашке

Тридцатиминутная чёрно-белая короткометражка «Погадай на ромашке» — максимально невзрачное, почти антикрасивое кино. Фильм иронично знакомит зрителя с буднями американской богемы: герои ленты дурачатся, галдят, сходят с ума от лени.

В отличие от других фильмов в нашем списке, «Погадай на ромашке» трудно назвать визионерской работой. Но снял её настоящий гений — уличный фотограф Роберт Франк, снимки которого увековечили мир послевоенной Америки. Франк решился променять статичные кадры на динамичную съёмку, чем вдохновил десятки фотографов на схожие эксперименты — по его стопам пошли Антон Корбейн и Стив Маккуин.

Чему учит фильм: уверенности в себе. Роберт Франк не испугался брошенного вызова, использовав десятилетний опыт уличной фотографии для создания достойного кинофильма.

Читайте также:

Жизнь моя, кинематограф, чёрно-белое кино